Temporada 2023/24

WINTER DREAMS (Sueños de Invierno)

Diciembre 3, 2023 | 2pm

CÍRCULO DE CONDUCTORES

El Lakeview Orchestra está agradecido a los donantes a continuos por su apoyo generoso y su asociación extraordinaria. 

Brandon R. Barton

Lindsay Brown

Jack Cameron

John Catomer 

Alexandra Newman

Charles J. Palys 

Ronald & Linda Thisted 

Nicholas & Hilary Vallorano

Gregory M. Zinkl & Thomas B. Braham

Refleja las contribuciones recibidas desde Enero 1, 2022.  

PROGRAMA DEL CONCIERTO 

Winter Dreams

Lakeview Orchestra

Gregory Hughes Director Artístico

Ezra Calvino Director de Orquesta Invitada

Gabriela Lara Violín

Domingo, Diciembre 3, 2023 | 2 PM

Athenaeum Center for Thought and Culture | Chicago, Illinois

SAMUEL COLERIDGE-TAYLOR

Christmas Overture (from The Forest of Wild Thyme, Op. 74) 

ALEXANDER GLAZUNOV

Violin Concerto in A minor, Op. 82

EL DESCANSO

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY

Symphony No. 1, Op. 13, Winter Dreams

1. Daydreams of a Winter Journey: Allegro tranquillo

2. Land of Gloom, Land of Mist: Adagio cantabile ma non tanto

3. Scherzo: Allegro scherzando giocoso

4. Finale: Andante lugubre - Allegro maestoso
   

Este concierto será fotografiado y grabado para propósitos de archivo y promocionales. 

Por favor, silencien sus teléfonos durante la interpretación del concierto. 

NOTAS DEL PROGRAMA & PERFILES

CHRISTMAS OVERTURE

Compuesto: c. 1910

Publicado: 1925 | Arreglado por Sydney Barnes

Duración de Actuación: 5 minutos

El hijo de una mujer Británica y un hombre Creole de Sierra Leona, Samuel Coleridge-Taylor era un compositor Anglo-Africano que tuvo enorme popularidad a lo largo de Europa y en los Estados Unidos durante el cambio del siglo veinte. Llamado el “African Mahler” durante una época de racismo y fanatismo generalizado y abierto, Coleridge-Taylor obtuvo reconocimiento internacional a la temprana edad de 23 después del estreno de su cantata Hiawatha’s Wedding Feast, una obra para orquesta y voz basada en el poema épico de Henry Wadsworth Longfellow, The Song of Hiawatha. Coleridge-Taylor solidificó aún más su estado admirable entre los públicos Americanos durante una gira del 1904 por los Estados Unidos - la primera de tres - donde viajó por el país cómo director de orquesta invitado (incluyendo el United States Marine Band), realizando obras originales, y visitando al President Theodore Roosevelt en la White House. 

Nacido en el centro de Londres, Coleridge-Taylor inicialmente aprendió a tocar el violín de su abuelo materno, un músico aficionado. Al reconocer el talento del joven Samuel y su habilidad musical, su familia extendida e amigos aunaron dinero para continuar su educación en la prestigiosa Royal College of Music. Coleridge-Taylor primero entró en el conservatorio cómo estudiante de violín pero pronto hizo la transición a composición por el ánimo de sus profesores. Inmediatamente después de graduarse del conservatorio, Coleridge-Taylor fue nombrado profesor en la Crystal Palace School of Music en Londres y director de la orquesta en el Croyden Conservatoire. Dentro de poco tiempo, Coleridge-Taylor se hizo amigo del compositor Británico eminente Edward Elgar, que reconoció el potencial del joven compositor y personalmente le guío en su profesión. 

En 1910, el dramaturgo y poeta Alfred Noyes, un amigo de Coleridge-Taylor, propuso la idea de una obra que sería acompañada por música incidental, que el último compondría. La obra sería basada en el poema épico de Noyes titulado The Forest of Wild Thyme; y la producción fue propuesto cómo un “charming poetical fairy drama” (“drama poético encantador de hadas”), subtitulado, A Tale for Children Under Ninety. Coleridge-Taylor aceptó el proyecto y compuso una partitura para piano de cinco movimientos destinada a ser orquestada. Sin embargo, varios eventos conspiraron para evitar que el proyecto se llevara a cabo, incluida la trágica muerte de Coleridge-Taylor por neumonía a la edad de 37 años en 1912. No obstante, en 1925, el arreglista Sydney Baynes publicó una versión orquestada del último movimiento de la parte original de piano escrita por Coleridge-Taylor. Titulada "Christmas Overture", la pieza presenta melodías de villancicos estándar como "Good King Wenceslas", "Hark the Herald Angels Sing" y "God Rest You Merry Gentlemen", así como  material original de Coleridge-Taylor. La orquestación está llena de colores estacionales y satisface las expectativas festivas del oyente.

Entre las más de 80 obras publicadas durante la carrera profesional de Samuel Coleridge-Taylor se encuentran su aclamada cantata Hiawatha’s Wedding Feast, Symphony in A minor y Violin Concerto in G minor. Su vida, demasiado corta, hace que uno piense en lo que se habría logrado si hubiera vivido más tiempo. Coleridge-Taylor fue enterrado en el Bandon Hill Cemetery en el suroeste de Londres. Noyes hizo que lo siguiente fuera inscrito en la lápida de su querido amigo: “Too young to die: his great simplicity, his happy courage in an alien world, his gentleness, made all that knew him love him.” (“Demasiado joven para morir: su gran simplicidad, su valiente alegría en un mundo ajeno, su gentileza, hicieron que todos los que lo conocieron lo amaran".)

VIOLIN CONCERTO IN A MINOR

Compuesto: 1904

Estrenado: Febrero 15, 1905 | San Petersburgo, Rusia

Duración de Actuación: 20 minutos

Nacido en una familia próspera, Alexander Glazunov estaba bien posicionado para convertirse en artista; la familia de su padre era dueña de una exitosa editorial bien conectada, responsable de imprimir las primeras ediciones de muchos autores rusos, incluido el estimado poeta, dramaturgo y novelista Alexander Pushkin. La madre de Glazunov era una pianista profesional que introdujo la música a su hijo desde temprana edad. Pronto, los padres de Glazunov se dieron cuenta de que su hijo poseía una memoria fotográfica y auditiva perfecta, dotándolo de habilidades prodigiosas. A los 15 años, el joven Glazunov fue aceptado por el eminente compositor ruso Rimsky-Korsakov como estudiante de composición. Sobre el crecimiento meteórico de su pupilo, Rimsky-Korsakov dijo: "His musical development progressed not by the day, but literally by the hour.” ("Su desarrollo musical progresó no día a día, sino literalmente hora por hora.")  Un año después, Glazunov completó su primera sinfonía, que se estrenó en 1882 y lo lanzó a la atención internacional.

Como estudiante de Rimsky-Korsakov, Glazunov estuvo estrechamente asociado con The Five. The Five (Mily Balakirev, César Cui, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov y Alexander Borodin) fueron un grupo de compositores nacionalistas rusos que alentaron a los estudiantes a explorar temas y armonías orientales, y a glorificar a Rusia, a su gente y a su cultura en sus obras. Representaron una oposición al estilo cosmopolita de la música de arte occidental expresado por compositores rusos como Pyotr Tchaikovsky y Anton Rubinstein, que favoreció la música a través de la autoexpresión sobre la glorificación de su país. The Five trabajaron juntos para crear un estilo nacional distinto de la música clásica rusa, con Alexander Glazunov como uno de sus protegidos. Glazunov comenzó su carrera como un compositor nacionalista, pero nunca se adhirió completamente a las tendencias nacionalistas promovidas por The Five. Las composiciones de Glazunov se consideran un puente entre el nacionalismo y la cosmopolita; presentan un toque más personal llenas de una autoexpresión musical que resuena más con la ideología de la época Romántica tradicional.

A los 24 años, Glazunov se había establecido como un compositor profesional a tiempo completo. En 1899, Rimsky-Korsakov, el director del Saint Petersburg Conservatory, nombró a Glazunov profesor. Después de la fallida Revolución Rusa de 1905, el gobierno del Czar Nicolás II despidió a Rimsky-Korsakov por ponerse del lado de los estudiantes en una protesta y, a su vez, nombró a Glazunov como el nuevo director del Saint Petersburg Conservatory - Glazunov ocupó este puesto hasta 1928. Fue aquí, como profesor de música, donde Glazunov encontró su segunda vocación. Su primera acción como director fue donar su salario a becas. El tiempo que Glazunov pasó en el conservatorio se inclinó fuertemente hacia guiar y enseñar a los estudiantes, reduciendo su producción musical a una o dos composiciones al año. En respuesta a su limitada producción como director, Glazunov comentó: “You can criticize my compositions, but you can’t deny that I am a good conductor and a remarkable conservatory Director.” ("Puedes criticar mis composiciones, pero no puedes negar que soy un buen director de orquesta y un notable director de conservatorio".) 

La Revolución Bolchevique de 1917, que derrocó al orden imperial, puso en peligro la capacidad del conservatorio para funcionar. Glazunov personalmente entregó dinero a estudiantes necesitados y mantuvo al edificio operativo. Dmitri Shostakovich fue uno de los beneficiarios de la generosidad de Glazunov durante el período posterior a la revolución, recibiendo dinero y raciones adicionales. En 1922, a Glazunov se le otorgó el "People’s Artist of the Public Award" de la Unión Soviética, pero rechazó el premio y solicitó leña para el conservatorio en su lugar.

La utopía prometida por la Revolución Bolchevique abrió espacio para el terror que pronto tendría lugar en busca de lograr la sociedad ideal. Glazunov fue testigo del Terror Rojo de 1918-1922, que surgió después de un intento de asesinato contra Vladimir Lenin; se modeló según el Reinado del Terror de la Revolución Francesa. El Terror Rojo provocó represiones políticas y ejecuciones generalizadas, cobrando unas 100,000 vidas aproximadamente. En 1924, un desertor escolar que cometía robos armados con su pandilla de matones para financiar su movimiento ideológico llegó al poder. Esta nueva versión del Partido Comunista, al estilo de Joseph Stalin, interfirió en la vida pública y privada a un nivel nunca antes visto.

El mundo totalitario del Realismo Soviético que se avecinaba rápidamente - donde el arte representa valores comunistas, como la emancipación del proletariado - llegó al conservatorio. Cualquier artista que se considerara desviado del Realismo Soviético era denunciado por practicar el formalismo - el concepto de que el significado de una composición está completamente determinado por su forma. Aparentemente inofensiva desde nuestro punto de vista, ser acusado de formalismo, una acusación a la que se enfrentaron ambos Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich, podía llevarte a un gulag o incluso a una fosa común. Alrededor de 1.2 millones de personas fueron ejecutadas durante la Gran Purga de Stalin de 1936-1938. Glazunov no sufrió la Gran Purga; dejó Rusia en 1928 por motivos de salud, justo antes de que cayera el telón de hierro. Nunca regresó.

En el exilio, Glazunov fue de giro por Europa y los Estados Unidos, estableciéndose finalmente en la periferia parisina de Neuilly-sur-Seine. En 1929, a los 64 años, se casó con Olga Gavrilova, de 54 años, madre de Elena Gavrilova (la solista que estrenó el segundo concierto para piano de Glazunov en la primera actuación en París). Glazunov murió el 21 de marzo de 1936, a causa de complicaciones derivadas de una larga historia de alcoholismo. El cuerpo de Glazunov fue originalmente enterrado en Francia pero fue devuelto a Rusia en 1972 y enterrado en el Cementerio Tikhvin en San Petersburgo. Glazunov compuso su concierto para violín, posiblemente su obra más conocida, en 1904 mientras se desempeñaba como profesor en el Saint Petersburg Conservatory. Una joya oculta de los concertos para violín de la Época Romántica, el concerto de Glazunov rechaza la forma tradicional por una obra continua sin pausas entre movimientos. Glazunov inserte el segundo movimiento lírico y lento en el primer movimiento entre la exposición y el desarrollo, seguido por un final tradicional - un enfoque considerado altamente inusual en su forma. Aunque el violín solo utiliza efectos complejos y virtuosos, la obra es típica del estilo de Glazunov, sin acceder a la ornamentación evidente y la ostentación que suele caracterizar a un concerto para violín de la Época Romántica; cada nota en el concerto está exactamente donde debe estar, y no hay notas superfluas. El concerto para violín de Glazunov se estrenó en la Russian Musical Society en San Petersburgo el Febrero 15, 1905; fue dedicado al renombrado violinista Leopold Auer.

Uno de los últimos compositores de la Época Romántica que vivió en una época en la que reinaba el modernismo, la música de Glazunov fue formada por su experiencia y comprensión del mundo. Nacionalista o cosmopolita, las composiciones de Glazunov son fieles a sí mismo y no se someten a las tendencias y estilos de sus contemporáneos. Como escribió a un amigo: “Music is an art, and art is forever. Music should not succumb to fashion, which is passing and forgotten.” ("La música es un arte, y el arte es para siempre. La música no debería sucumbir a la moda, que es pasajera y olvidada".)

SYMPHONY NO. 1, WINTER DREAMS

Compuesto: 1866, revisado 1874

Estrenado: Diciembre 1, 1883 | Moscú, Rusia

Duración de Obra: 45 minutos

Incluso según los modestos estándares de salud mental de los artistas, la aflicción de Tchaikovsky por una enfermedad mental de por vida era notable. Atormentado por manía y depresión desde su juventud, su institutriz enfatizó su aguda e insoportable ansiedad por la separación al referirse a él como "the porcelain child” (el niño de porcelana"). Nacido en una pequeña ciudad industrial en la Rusia imperial, en una familia acomodada con una larga tradición de servicio militar, la crianza de Tchaikovsky resultó desafiante debido a su naturaleza sensible. En su extensa correspondencia escrita, Tchaikovsky describe su tormento como sentimientos de indignidad y soledad, sentimientos acompañados de autodesprecio y un miedo constante de ser descubierto por su sexualidad. Como un hombre gay viviendo en una de las sociedades más homofóbicas de la Europa del siglo XIX -  la Rusia zarista - vivía en constante terror de ser descubierto y castigado por su sexualidad. Utilizó las dos estrategias para aliviar esta tristeza extrema: el alcohol y la música. El anhelo de Tchaikovsky por aceptación y amor es una característica que exhibió a lo largo de su vida y que a menudo se presentó en su música.

Tchaikovsky comenzó las lecciones de piano a los 7 años y adoró la música a lo largo de su juventud, pero no era un prodigio y una exitosa carrera como músico parecía improbable. En 1850, a los 10 años los padres de Tchaikovsky lo inscribieron en la Imperial School of Jurisprudence en San Petersburgo, una escuela que preparaba a los hijos de la clase media alta para carreras en el servicio civil ruso. Tchaikovsky era estudioso con sus tareas escolares pero continuó practicando el piano durante la escuela, albergando en silencio una ambición cada vez mayor de ser compositor.

En 1859, a la edad de 19 años, Tchaikovsky se graduó y cinco días después fue contratado como escribano para el Ministry of Justice. Insatisfecho con su trabajo gubernamental, lo dejó dos años después en 1861 para asistir a clases de teoría musical patrocinadas por la Russian Musical Society. Se adaptó a ello como un burócrata ruso al vodka. Al año siguiente, a la edad de 22 años (siendo el mayor de su clase por casi una década), Tchaikovsky se inscribió en el nuevo St. Petersburg Conservatory. Esta experiencia adicional fue invaluable para Tchaikovsky; al graduarse en 1865, fue contratado como profesor de teoría musical en el próximo Moscow Conservatory. El recién nombrado profesor dividía su tiempo entre la enseñanza y la composición. Sin embargo, incluso como profesor, llevaba consigo el sentido de insuficiencia del rezagado; le dijo a un amigo: “I spent the entire day wandering about the town repeating to myself, ‘I am sterile, I am a nonentity, nothing will ever come of me, I have no talent.’” ("Pasé todo el día deambulando por la ciudad repitiéndome a mí mismo, 'soy estéril, no soy nada, no saldrá nada de mí, no tengo talento'".) Tchaikovsky pensaba que su valía e identidad estaban inextricablemente vinculadas al éxito musical, así que se propuso demostrar su valía componiendo una sinfonía.

“The symphony,” ("La sinfonía,”) como dijo Gustav Mahler alguna vez, “must be like the world; it must embrace everything!” ("debe ser como el mundo; ¡debe abarcar todo!") Ciertamente, las sinfonías pueden considerarse como novelas narradas sin palabras; historias musicales únicas resonando con drama y variedad. Las sinfonías son los actos de autoconfesión del compositor, auténticos rastros filosóficos, reflexiones espirituales y contemplaciones sobre las grandes preguntas sin respuesta. Para un compositor del siglo XIX, producir una sinfonía exitosa podía catapultarlo desde la oscuridad hasta las más altas esferas de la fama musical, y Tchaikovsky era muy consciente de esto. 

En una carta a su hermano Anatoly, fechada el 7 de mayo de 1866, el joven de 23 años Tchaikovsky detalla una (de varias) crisis emocionales relacionadas con su primera sinfonía: "At 11 o'clock I either give a lesson until 1 or sit over my symphony (which, by the way, is going sluggishly). I always return home at midnight, writing letters or the symphony, and reading for a long time in bed. I've been sleeping atrociously lately. My nerves have been utterly upset again for the following reasons: 1) a lack of success in composing the symphony; 2) Rubinstein and Tarkovsky, [Nikolay Rubinstein, pianist and founder of the Moscow Conservatory; Konstantin Tarkovsky, writer and dramatist] who, noticing that I'm nervous, try to frighten me all day by various means; 3) the unshakeable thought that I'll soon die without even managing to successfully finish the symphony.” ("A las 11 en punto doy una lección hasta la 1 o me siento sobre mi sinfonía (que, por cierto, avanza lentamente). Siempre vuelvo a casa a medianoche, escribiendo cartas o la sinfonía, y leyendo durante mucho tiempo en la cama. Últimamente he estado durmiendo atrozmente. Mis nervios se han vuelto a trastornar por las siguientes razones: 1) falta de éxito en componer la sinfonía; 2) Rubinstein y Tarkovsky, [Nikolay Rubinstein, pianista y fundador del Moscow Conservatory; Konstantin Tarkovsky, escritor y dramaturgo] que, al notar que estoy nervioso, intentan asustarme todo el día de diversas maneras; 3) el pensamiento inquebrantable de que pronto moriré sin lograr terminar con éxito la sinfonía.”)

El progreso fue gradual y Tchaikovsky completó su primera sinfonía en los dos años siguientes. Su obra se estrenó por partes, con solo un movimiento interpretado en concierto en 1866 y otro en 1867, algo inusual para la mayoría de los estrenos de sinfonías. Sin embargo, en febrero de 1868, la obra entera fue presentada en un concierto patrocinado por la Russian Musical Society. Su éxito resultó en impulsar significativamente el prestigio y la demanda de Tchaikovsky como compositor, pero la obra permaneció sin interpretarse por segunda vez. Como un perenne perfeccionista, Tchaikovsky no estaba satisfecho. Revisó extensamente su obra durante la primavera de 1874 a su versión actual y final, subtitulando la sinfonía Winter Daydreams ("Ensueños de invierno"); también puso nombres a los dos primeros de los cuatro movimientos que componen la sinfonía. Tales títulos para movimientos u obras enteras eran comunes durante el período romántico, y no indican que la composición sea abiertamente programática. Estos subtítulos preparan el escenario y el estado de ánimo para la actuación, son impresiones de toda la pieza y ofrecen al oyente un contexto emocional al experimentarla.

El primer movimiento de la sinfonía, subtitulado Daydreams of a Winter Journey (Ensueños de un Viaje de Invierno) Allegro Tranquillo, comienza con una belleza melancólica presentando una melodía entre flauta y fagot. El movimiento está en la tonalidad de sol menor y nos invita a una ensoñación, una oda. Como el subtítulo hace referencia a un viaje, somos transportados a un retrato musical de un paisaje ruso invernal; y un mundo cuasi-místico se desarrolla ante nosotros a medida que el estado de ánimo cambia desde el cromatismo asertivo del vigoroso tema de transición. El desarrollo del movimiento utiliza elementos opuestos de astucia intuitiva al combinar material temático ya presentado mientras se construye hacia un clímax dramático.

El segundo movimiento lleva el subtítulo Land of Gloom, Land of Mist (Tierra de Penumbra, Tierra de Niebla) Adagio cantabile ma non tanto. Se desarrolla a partir de una melodía suave y seductora de cuerdas apagadas hasta un punto culminante altamente emocional con toda la orquesta, regresando eventualmente al estado de ánimo reflexivo inicial. La descripción de Tchaikovsky del movimiento y el rechazo a la forma musical tradicional ayudan a evocar su contexto temático. La presentación de la música por parte de Tchaikovsky señala a los oyentes que esta obra es tanto un poema sinfónico como una sinfonía.

El tercer movimiento, Scherzo (Allegro scherzando giocoso), es de naturaleza al estilo Mendelssohn; exhibe un estado de ánimo divertido con un aire de misterio. Un scherzo es un movimiento alegre que suele servir como contraste para preceder y seguir a los movimientos más pesados en una sinfonía. En este movimiento, Tchaikovsky relanza un tema de su Piano Sonata in C-Sharp minor como la melodía ancla del movimiento, pero como una creación altamente original en una nueva forma. La sección central del movimiento, la sección del trío, presenta un vals cadencioso, prediciendo el posterior éxito monumental de Tchaikovsky con sus partituras de ballet.

El último movimiento de la sinfonía, el Finale (Andante lúgubre — Allegro moderato), comienza con una introducción escasa pero sofisticada basada en una canción popular rusa conocida como "I’m Sowing Flowers, My Little One" (“estoy sembrando flores, mi pequeño”). Tchaikovsky solo presenta fragmentos de la melodía popular para el comienzo del Finale, pintando una impresión musical de apertura lúgubre con vacilaciones entrecortadas y lúdicas en la tonalidad de sol menor (la tonalidad original de la sinfonía). La música eventualmente lleva a secciones más rápidas que guían al oyente a través de un recorrido nómada de tonalidades, transformaciones temáticas y desarrollos contrapuntísticos, aterrizando finalmente en la brillante y alegre tonalidad paralela de sol mayor. La orquesta completa reitera la melodía popular escuchada al principio del movimiento, anunciando la llegada de este viaje musical a la conclusión de la sinfonía.

Satisfecho con las revisiones, Tchaikovsky deseaba publicar Winter Daydreams y volver a estrenar la obra. Envió el manuscrito a su editor, quien luego le proporcionó una copia impresa de la partitura para su trigésimo quinto cumpleaños en 1875; desafortunadamente, una confusión sobre las revisiones resultó en numerosos errores y equivocaciones de impresión.

A la manera típica de Tchaikovsky, tomó el incidente personalmente, expresando consternación en una carta a su editor:  “What's become of all this, the full score with my corrections — has it sunk into the waters? Now what do I see? You've sent the 1st symphony with the passages stuck into it that I destroyed during my fundamental reworking, i.e. all the abominations I threw out, you have now painstakingly restored. And where did these discarded passages come from? Who's trying to annoy me? Therefore, to fully clear up the state of affairs regarding my long-suffering symphony, I repeat:” ("¿Qué ha pasado con todo esto, la partitura completa con mis correcciones- ha desaparecido en las aguas? Ahora, ¿qué veo? Has enviado la primera sinfonía con los pasajes que destruí durante mi reelaboración fundamental, es decir, todas las abominaciones que descarté, las has restaurado con esmero. ¿Y de dónde salieron estos pasajes descartados? ¿Quién está tratando de molestarme? Por lo tanto, para aclarar completamente el estado de las cosas con respecto a mi sufrida sinfonía, repito:") Tchaikovsky luego reitera sus quejas y enumera una serie de deseos, terminando la correspondencia con: “This is all very upsetting to me, because I love this symphony very much, and I very much regret that it's endured such a tragic existence.” ("Todo esto me molesta mucho, porque quiero mucho esta sinfonía y lamento mucho que haya tenido una existencia tan trágica.”) Eventualmente, Winter Daydreams fue publicado y estrenado de nuevo el 1 de diciembre de 1883, en Moscú, 15 años después del estreno original.

A pesar de las dificultades que acosaron a Winter Daydreams, la sinfonía permaneció como una de las obras favoritas de Tchaikovsky. Después del reestreno de la obra, escribió a su amigo el violonchelista Karl Albrecht que, "Despite all its huge shortcomings, I still nourish a weakness for it, because it was a sin of my sweet youth;” ("A pesar de todos sus enormes defectos, aún albergo una debilidad por ella, porque fue un pecado de mi dulce juventud"); y algún tiempo después, escribiendo a su amiga y mecenas Nadezhda von Meck, "I don't know if you are familiar with my composition. In many respects it is very immature, although fundamentally it is still richer in content than many of my other more mature works.” ("No sé si estás familiarizada con mi composición. En muchos aspectos es muy inmadura, aunque fundamentalmente es más rica en contenido que muchas de mis otras obras más maduras.")

Tchaikovsky utilizó la música como una válvula de escape para liberar la tormenta y la desesperación que sintió a lo largo de su vida. Componer Winter Daydreams le proporcionó un espacio- una especie de caja de arena musical y emocional- para explorar ideas anteriores que darían forma a su futuro. Tchaikovsky eventualmente escribiría seis sinfonías adicionales (incluso a la sin numerada Manfred Symphony), así como concertos, suites orquestales, óperas, música de cámara y coral, y los aclamados ballets Swan Lake, Sleeping Beauty, y The Nutcracker. Aunque cada composición contiene algo del compositor, pocas obras de Tchaikovsky contienen el contenido emocional y puro y la aspiración juvenil que escuchamos en su primera sinfonía, Winter Daydreams.

Notas del programa hechas por Luke Smith.

Ezra Calvino ha sido reconocida por su perspicacia, claridad y sensibilidad como director de orquesta, violista y músico de cámara. A lo largo de sus estudios, ha procurado aprovechar diversas disciplinas musicales, desde la práctica del barroco hasta la música popular moderna, para desarrollar una perspectiva artística única y arraigada fijamente en la complejidad de nuestro momento histórico actual. Al negarse a limitar su pensamiento musical al canon tradicional, ha logrado comprender cómo una práctica artística "clásica" puede trascender la mera elegancia estética y participar en una curación social holística. 

Ezra tiene títulos en ambos Dirección Orquestal e Interpretación de Viola, y es alumnus de programas de formación destacados, como el National Orchestral Institute + Festival, el Eastern Music Festival, el International Conducting Workshop and Festival y el Prague Summer Nights Young Artists Music Festival. Entre sus actuaciones recientes se incluye el estreno mundial de la obra "Can you stop the time? (no)" del compositor Nicky Sohn con la National Orchestral Institute Philharmonic y la dirección de la Eastern Festival Orchestra en una actuación de Rossini’s Overture to William Tell. La temporada pasada, dirigió actuaciones del Percussion Concerto de Jennifer Higdon, ganador de un premio Grammy, con la Bowling Green Philharmonia. Actualmente, Ezra se encuentra en Chicago, donde se desempeña como Associate Conductor de los conjuntos juveniles Sistema Ravinia del Ravinia Festival. Ha estudiado con Emily Freeman Brown, Marin Alsop, Larry Rachleff, Gerard Schwarz, James Ross y Donald Schleicher. 

La violinista venezolana Gabriela Lara comenzó sus estudios de música en Barquisimeto, Venezuela a la edad de 8 años. La Srta. Lara fue miembro de la Academia Latinoamericana de Violín y miembro de "El Sistema" en Venezuela hasta su llegada a Estados Unidos en 2017. Gabriela ha girado con varias orquestas por Europa en 2013, 2014 y 2017 junto a Gustavo Dudamel y Simon Rattle, actuando en prestigiosos festivales europeos y salas de conciertos, incluyendo el Salzburg Festival y la Berlin Philharmoniker.

La Srta. Lara ha actuado como solista con varias orquestas, más recientemente con la CCPA Symphony Orchestra en el Symphony Center de Chicago. Ganó la Roosevelt University Concerto Competition en 2019, el 3rd International Violin Competition, en homenaje al Maestro Frank Preuss, y obtuvo el segundo lugar en el 25th Sphinx Concerto Competition. La Srta. Lara fue la Project Inclusion Fellow de la Grant Park Symphony Orchestra en 2022 y comenzó su posición como la primera y única becaria de la Chicago Symphony Orchestra el año pasado. Es parte del estudio de Almita Vamos, se graduó recientemente como Bachelor in Violin Performance en el Chicago College of Performing Arts de la Roosevelt University e actualmente está cursando su maestría en Suzuki Pedagogy en la misma universidad.

LAKEVIEW ORCHESTRA

LAKEVIEW ORCHESTRA TEMPORADA 23/24

Febrero 18, 2024

Wagner, Strauss, Beethoven

Abril 14, 2024

Serious Fun at the Symphony

Junio 9, 2024

Brahms/Schoenberg

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